Big Prints from Rome

Che la stampa contemporanea sia un’attività internazionale non è un’osservazione nuova. Ma le stampe occidentali sono state storicamente una merce internazionale da quando sono apparse per la prima volta in Europa sull’orlo del XV secolo, con la loro inevitabile diffusione come il più portabile dei modelli di artisti e portatori di cultura.

Un emozionante assemblaggio di stampe come quella attuale, composta da opere di peintre-graveurs italiani, spagnoli, belgi, svizzeri, francesi, inglesi e americani, creata e stampata a Roma, ribadisce l’unità culturale del mondo occidentale – un’unità che funge da modello universale poiché molti di questi artisti figurano tra i principali incisori del nostro tempo.

Per chi conosce, ama e colleziona stampe contemporanee, l’importanza di questa collezione non sorprende. Con poche eccezioni, l’astrazione è il loro fattore unificante. Eppure l’astrazione si presenta in numerose forme, da cogliere a diversi livelli, stimolando lo spettatore alla propria interpretazione. Ma sebbene collegati dalla struttura di un linguaggio comune, gli artisti dimostrano tra loro una sorprendente varietà e diversità di mezzi tecnici e formali.

Uno dei fattori più evidenti nella contemplazione di queste stampe è il loro rapporto con il lavoro dei loro creatori nei veicoli della pittura o della scultura. A questo proposito, è bene ricordare che fino alla metà degli anni Cinquanta, la stampa ha ampiamente osservato le sue distinzioni di carattere per quanto riguarda la separazione dei suoi processi particolari e la sua dimensione relativamente conservativa. In breve, le tecniche di stampa erano generalmente semplici, facilmente riconoscibili e la scala delle stampe relativamente modesta. Con gli anni Sessanta, tuttavia, i confini tra la stampa e altre forme d’arte sono esplosi, e da allora gli artisti che lavorano nel mezzo grafico sono stati coinvolti nelle procedure più creativamente sperimentali con la conseguente espansione delle tecniche di stampa e delle frontiere estetiche. Alcuni critici si sono chiesti se l’amplificazione e la trasformazione delle tecniche di stampa storiche, l’aumento dell’ampliamento e l’enfasi su grande scala, non abbiano portato alcune stampe al punto di perdere o declinare il tradizionale potere “grafico” che le ha caratterizzate per molti secoli. In breve, il carattere, gli effetti concentrati del bianco e nero, per esempio, e le qualità speciali di essere fissati su carta da una matrice dura e inchiostrata sono stati soppressi nello sviluppo delle stampe contemporanee?

Prova del contrario è fornita dal “BIG PRINT FROM ROME”. In questa sorprendente costellazione di opere la tecnica dominante è l’acquaforte e l’acquatinta, metodi sensibili che richiedono il morso delle lastre da parte dell’acido. Con questa combinazione d’incisione lo Studio 2RC è stato in grado di produrre stampe diverse come quelle di Alberto Burri e George Segal a un’estremità dello spettro, da quelle di Giacomo Manzù e Graham Sutherland all’altra. Così, la cupa e variegata “craquelure” del “Cretto Nero” di Burri, realizzata con lastre di bronzo fuso, e le monumentali stampe a colori di Segal, modellate dal corpo monumentale, sono state brillantemente eseguite tramite l’incisione, queste ultime per mezzo di acquaforte e cera molle, che dimostra gamme e versatilità del mezzo. Come incisore Burri è un caso a parte perché come pittore ha innovato l’uso di materiali non pigmentari come: il catrame e la tela da imballaggio, introducendo il vocabolario del decadimento e della distruzione nella sua arte. Così, mentre siamo preparati per un’estensione del suo vocabolario: nelle sue stampe, la presenza delle sue serigrafie ondulanti, giustamente colorate, prodotte in concomitanza con le sue immagini angosciate, rivela un’altra lingua che sembra portarci dalla pagina in un regno sconosciuto.

In contrasto con le stampe che richiedono l’uso di lastre speciali o altri in cui materiali sfidano le risorse della stampa, sono le incisioni di linea pura di Giacomo Manzù nelle sue serie “Amanti e Inge”, che devono inevitabilmente evocare il pensiero dello Sculptor’s Studio di Picasso. Le stampe del grande scultore italiano, strettamente legate ai suoi disegni di figura, sono nella maggior parte delle opere di queste serie arricchite da acquatinta con passaggi delicati e accenti di colore. Tematicamente correlata è la recente grande stampa di Manzu,”Donna sdraiata”, in cui la tensione elettrica della linea si espande sotto l’infusione di colore. Un altro contrasto è il trittico in bianco e nero di Graham Sutherland, “Bees”, con le sue linee profondamente morse e le immagini sorprendenti, racchiuse come da grandi lettere e colonnati decorativi.

È ovvio che in molti ambienti la pittura e l’incisione sono entrambe tendenti alla dimensione, mentre in altri la superficie diventa l’area per diversi sistemi di modelli astratti. Da ricordare è il fatto che nel mondo classico il termine per lavorare in qualsiasi materiale che fosse in rilievo, sbalzato, inciso, cesellato, fuso o tagliato era “sculptura”. Ad eccezione dei processi planografici, ovvero litografia e serigrafia, le altre tecniche di stampa, eseguite mediante taglio nel blocco, lastra o altra superficie, sono legate all’incisione e quindi sostanzialmente affini alla scultura, piuttosto che alla pittura. L’impressione della lastra sulla carta è il “calco”, per così dire, del rilievo originale in rilievo o incavato. Ma il documento aggiunge un sottile cambiamento che non può essere trovato sulla lastra  nuda che solo raramente è stata considerata fine a se stessa. Tra gli scultori rappresentati in mostra, il linguaggio di forme sequenziali rigorosamente dentellate di Arnaldo Pomodoro è vividamente concentrato nelle lastre dense della sua tecnica inchiostrata e goffrata: utilizza lastre di gesso e stampi in resina epossidica, creando il rilievo con un’enorme pressione. Le sue potenti stampe sono come “stele” su cui la forma finemente “meccanica” è stata martellata con una precisione quasi computerizzata ·. Un altro scultore, Eduardo Chillida, traduce le sue costruzioni a blocchi in forme interconnesse in bianco e nero, conservando la loro monumentalità dimensionale, con superfici palpabili dalla tecnica dell’acquaforte. Lo svizzero Max Bill, architetto oltre che pittore e scultore, osserva le sfaccettature geometriche dell’astrazione nei piani mutevoli delle sue forme otticamente mutevoli, mentre Pietro Consagra in una nuova tecnica distanzia i suoi disegni controllati e plasticamente suggestivi sull’intera lastra.

Producendo stampe a intervalli diversi per oltre un quarto di secolo ed esplorando sfaccettature di vari processi, incisione, cera molle, litografia e rilievo su carta colorata, la scultrice americana Louise Nevelson ha raggiunto nel suo recente lavoro grafico un alto grado di raffinata spontaneità. Ciò è evidenziato dai brillanti effetti di carta strappata di queste incisioni, a volte combinati con lamina d’argento, giornali o mylar, che creano una superficie dinamica a collage, che ricorda la scultura in legno superbamente originale dell’artista.

Mai direttamente coinvolto nell’esecuzione di una stampa, Alexander Calder ha prodotto la sua unica incisione autografa alla 2RC, nel 1972, quando Valter Rossi ha fornito allo scultore americano degli acidi colorati con cui Calder ha disegnato il suo audace e giocoso soggetto con le sue immagini mobili sulla lastra di zinco come farebbe nella preparazione di una tempera su carta per la traduzione in un’opera grafica. Rivelando anche la stretta partecipazione dell’artista stesso. L’acquaforte e acquatinta di Henry Moore. in mostra. è tra le più potenti incisioni a colori della sua carriera. Attraverso il rilievo creato dalla tecnica acquaforte e acquatinta, rinforzato in alcune parti dall’uso della punta secca. Moore è riuscito a raggiungere l’equivalente, nella sensazione di peso, alla monumentalità della sua scultura. La stampa di Pol Bury è un’acquatinta pura, a grana grossa, nei toni del marrone e dell’arancio, in cui sono stati utilizzati diverse lastre sagomate. Di conseguenza, la sovrapposizione di colori brillantemente precisa e delicata conferisce alle forme geometriche nitide, un senso di movimento che si dispiega e si sposta lentamente.

Mentre, come ci si può aspettare, gli scultori spesso si avvicinano alla stampa in gran parte in termini di trasporto della dimensionalità, i pittori generalmente tendono ad estendere il loro stile nelle stampe secondo il proprio idioma personale. Così la calligrafia apparentemente improvvisata del pittore COBRA, Pierre Alechinsky, continua i motivi del suo vivido espressionismo gestuale. In contrasto con questa estetica, c’è la moderazione formale di Piero Dorazio, uno dei fondatori, insieme a Pietro Consagra, del gruppo “Forma Uno”. I lavori più recenti di Dorazio sono stampati su fogli lunghi e stretti come stelle filanti. Attraverso i loro livelli luminosi di trasparenza, ottenuti da diverse applicazioni di acquatinta, le bande ora sovrapposte, ora separatrici di colore puro si muovono con un ritmo visivo intrigante.

Giuseppe Santomaso, Afro e Victor Pasmore lavorano nella tradizione dell’astrazione classica. Le lastre dei veneti sono superbamente eleganti, la sensualità del loro campo sereno elaborata da passaggi sobri e delicati di fine acquatinta. Questo processo è stato impiegato nelle stampe da Afro per articolare i contorni delle sue forme astratte; tre morsure di acquatinta erano necessari per gli accenti più scuri. Piuttosto che espandere la composizione sull’intero campo dell’immagine: Pasmore sviluppa un’immagine più compressa, la sua componente centrale sembra crescere organicamente dall’elemento che lo racchiude. Al contrario, lo scultore e pittore americano, Alexander Liberman, si è completamente allontanato dal suo severo stile geometrico dell’ultimo decennio, per dedicarsi alla pittura. Gli audaci tagli di colore dei dipinti sono trasposti nelle stampe in una dichiarazione personale e formale altrettanto vigorosa.

Alcune delle ultime stampe di Sam Francis lo mostrano mentre guarda il mondo come attraverso un reticolo, composto da varie profondità e definizioni, intrecciandosi e segmentando il regno della sua miriade di forme membranose e fluttuanti dai colori intensi. Francis ha realizzato le sue prime incisioni sotto l’egida della 2RC. Non è improbabile che l’esperienza con gli effetti di creazione del rilievo di questi processi abbia avuto una certa influenza nell’indirizzare il suo lavoro più recente nel mezzo del monotipo con o senza goffratura.

L’appartenenza essenzialmente alla tradizione astratta geometricamente semplificata, ma che si estende nel regno più illusorio, è l’opera ben nota dell’ungherese Victor Vasarely. Uno degli incisori contemporanei più coerentemente orientati geometricamente, alcune delle sue stampe incorporano l’uso di iperboli e forme rettilinee, con i piani curvi che si traducono in proiezioni otticamente ingannevoli. Il lavoro di Vasarely è dedicato a enfatizzare le interazioni cromatiche delle sue forme geometriche calcolate con precisione nel tentativo di sottolineare un maggiore riconoscimento della percezione visiva. Gli eccitanti campi delle composizioni di Vasarely che permeano lo spazio e la carenatura sono conformi alle nostre impressioni sulle escursioni della scienza moderna nel sistema solare.

Come dimostrano queste stampe del laboratorio 2RC, rinfrescanti diversità, procedure tecniche complesse e nuovi orizzonti estetici sono tra le caratteristiche che contribuiscono al loro fascino. La loro vasta presenza sfida il dominio della pittura, i loro metodi di calcografia: il dominio dei processi planografici. Che si tratti di concentrarsi su un singolo elemento come il tratto gestuale, la diffusione di un grande macchiato o l’energizzazione della superficie in vari modi, la multiformità dell’invenzione grafica e la consistenza di queste stampe riflettono la poesia visiva sfaccettata del nostro tempo. La disponibilità di tali opere creative a tutti gli amanti dell’arte oggi è una circostanza fortunata, derivante non solo dalla continua esplorazione da parte degli artisti delle potenzialità della stampa, ma anche dall’esistenza di maestri stampatori per realizzarle.

Fondata circa diciotto anni fa a Roma da Valter ed Eleonora Rossi, la stamperia 2RC è stata determinante per promuovere l’uso da parte degli artisti delle tecniche d’incisione sia in Europa che negli Stati Uniti. Sebbene la mostra presenti una selezione del lavoro prodotto dalla 2RC, il catalogo allegato è progettato per fornire la documentazione della produzione totale del laboratorio fino ad oggi. In questo modo, la storia delle stampe le cui edizioni sono state a lungo esaurite viene preservata e un compendio dei risultati e dei contributi della 2RC all’arte della stampa contemporanea viene reso disponibile come strumento di ricerca e piacere visivo.